Моцарт В.А. - Концерт для фортепиано с оркестром ля мажор, KV 414; Концерт для фортепиано с оркестром до мажор, KV 415

Моцарт В.А. - Концерт для фортепиано с оркестром ля мажор, KV 414; Концерт для фортепиано с оркестром до мажор, KV 415

Альбом: 1 пластинка
Размер: 12" (гигант)
Запись: 1986 г.
Тип записи: стерео
Оборотов в мин.: 33
Состояние (диск/конверт): очень хорошее / очень хорошее
Производство: Россия
Фирма: Мелодия

В. А. МОЦАРТ (1756— 1791)
Сторона 1
Концерт для фортепиано с оркестром ля мажор, KV 414
1. Allegro — 9.23;
2. Andante — 7.37;
3. Allegretto — 5.50
Каденции В. А. Моцарта (1 —3)

Сторона 2
Концерт для фортепиано с оркестром до мажор, KV 415
1. Allegro — 9.41;
2. Andante — 7.31;
3. Allegro —6.47
Каденции В. А. Моцарта (1 —3)

ВЛАДИМИР КРАЙНЕВ
Литовский камерный оркестр
Дирижер САУЛЮС СОНДЕЦКИС

Звукорежиссер М. Кожухова.
Редактор И. Слепнев

На лицевой стороне конверта: Венский придворный театр (гравюра неизвестного художника).
Оформление художника В. Байкова

Жанр концерта всю жизнь привлекал Вольфганга Амадея Моцарта. Но среди множества его концертов фортепианный всегда был в центре внимания, ибо в нем сильнее всего раскрылся блестящий импровизационный дар самого Моцарта-исполнителя. Моцарт принадлежал к числу самых выдающихся пианистов своего времени, привлекая не столько виртуозностью, безупречным мастерством, сколько глубиной, благородством, проникновенностью исполнения. Знаменитый соперник Моцарта, итальянский виртуоз Муцио Клементи признавался: «До сего времени я еще никого не встречал, кто играл бы так душевно и красиво».
В молодые годы композитор создавал свои сочинения для клавесина. В зрелости он обратился к молоточковому фортепиано, которое в то время стало все больше внедряться в исполнительскую практику. Любимый ученик Моцарта, известный пианист и композитор Иоганн Непомук Гуммель отмечал, что новый инструмент «позволяет придать игре всевозможные нюансы, отвечает сразу же и безотказно, имеет закругленный, подобный флейтовому, звук и не затрудняет беглость пальцев излишним напряжением». Именно для этого инструмента написано и большинство моцартовских концертов, поражающих необычайным богатством фантазии, причудливой сменой настроения, щедростью мелодизма, филигранной отделкой деталей. При этом они всегда виртуозны и масштабны по изложению. Но, отдавая дань вкусам своего времени, Моцарт вносит в каждый концерт столько неповторимого своеобразия, что далеко выводит концертный жанр за рамки общепринятых представлений, сближая его со своими симфоническими созданиями.
В творчестве Моцарта форма фортепианного концерта получила истинно классическое выражение. Традиционное соревнование солиста и оркестра приобрело у него вид идеально-уравновешенного диалога. Наряду с уже закрепившимся трехчастным строением цикла (энергичная начальная часть, лирически-напевная вторая и песенно-танцевальная третья, обычно в форме рондо-сонаты), в первой части (а иногда и в других частях) темы обязательно экспонируются два раза — в оркестре и у солиста, где они обычно варьируются. Вершина импровизационного мастерства исполнителя — виртуозная каденция, которая помещается перед заключением первой части (нередко каденции вводились и в другие части). Обычно Моцарт не выписывал партию солиста до конца, внося в нее изменения уже в процессе исполнения. В основном дошедшие до нас авторские каденции (около сорока) к семнадцати концертам были созданы для учеников и друзей композитора. В остальных концертах звучат каденции, сочиненные другими авторами.
Всего у Моцарта двадцать семь фортепианных концертов, в том числе один для двух и один для трех фортепиано (не считая обработок для клавира и струнных трех сонат младшего сына Иоганна Себастьяна Баха— Иоганна Кристиана).
80-е годы в Вене — время расцвета концертного жанра в творчестве Моцарта, когда, окрыленный свободой, полный радостного ощущения бытия, он до конца раскрылся как непревзойденный исполнитель. Для своих академий с 1782-го по 1786 год он создает пятнадцать концертов. Поразительна и творческая продуктивность композитора, подчас сочинявшего по два концерта в месяц.
Три первых венских концерта — № 11 — 13, KV 413 — 415 — сочинены в конце 1782 — начале 1783 годов и вскоре изданы по подписке. Начиная свой путь в Вене, Моцарт хотел привлечь внимание и «знатоков» и «любителей». Именно к этим произведениям относится широко известное высказывание композитора о концертном жанре: «Концерты дают нечто среднее между слишком трудным и слишком легким; они блестящи, но, разумеется, не впадают в пустоту: то тут, то там знаток получит настоящее удовольствие, но и не знатоки останутся довольны, сами не ведая, почему». В этих концертах Моцарт экспериментирует с оркестром, предлагая исполнителям разные варианты инструментовки (духовые могут играть ad libitum — по желанию). К Концерту ля мажор сохранился еще один неоконченный финал — Рондо, KV 386. Ко всем трем концертам до нас дошли авторские каденции, с которыми они и записаны на пластинке. ~ По-видимому, Моцарт угодил взыскательным венским вкусам, так как после исполнения в печати появилась заметка: «Знаменитый г-н шевалье Моцарт дал сегодня концерт в национальном театре, во время которого были исполнены его и без того весьма популярные произведения... Наш монарх, который почтил концерт своим присутствием и против обыкновения прослушал его с начала и до конца, а также и вся публика с беспримерным единодушием выразили свое одобрение».
Тональность ля мажор всегда ощущалась Моцартом как лирическая, связанная с радостным «цветением жизни (фортепианная и скрипичные сонаты, Концерт для фортепиано № 23 и др.), что и определило облик Двенадцатого концерта, KV 414. Удивительно свежо звучит первая часть, Allegro, в которой господствуют лирические темы, причем в нарушение традиций более напевна и мягка главная партия, в побочной же пробиваются шутливость и лукавство, напоминающие о многих оперных героинях Моцарта. Углубленность развития с применением полифонии, особенно полно проявляющаяся в разработке, свидетельствует о том, что этот Концерт относится к новому, более зрелому этапу творчества композитора. В разработке возникают и яркие драматические краски, позже откликающиеся в финале цикла. Лирика первой части находит продолжение в поэтическом Andante (между ними есть и интонационная близость), в котором сосредоточенная хоральность оттеняется одухотворенной распевностью мелодизма. В веселом увлекающем финале, Allegretto, перед композитором как будто уже витает дух Папагено. Буффонность музыки усиливается комическим сопоставлением задорной главной темы и своеобразного нарочито серьезного «припева», к тому же получившего и «ученое» контрапунктическое развитие.
Тональность Тринадцатого концерта до мажор, KV 415 обычно была связана с образами монументально-величественными, героическими. Внешне следуя этой традиции (в оркестр к гобоям и валторнам добавлены фаготы, трубы и литавры), Моцарт при этом постоянно нарушает ее. Уже начальная маршеобразная тема излагается тихо, полифонически, и лишь позже вступает полнозвучие всего оркестра. Масштабность Концерта выражается прежде всего в широте и виртуозности развития, в частности, внутрь формы дополнительно введены импровизационные вступления и небольшие каденции. Интересно наблюдать, как здесь вызревают приемы последнего симфонического творения Моцарта — симфонии «Юпитер» — в героике интонаций, трактовке оркестра, полифонизации, многотемности (в партии солиста в первой части, Allegro, вводятся новые мелодии). Да и само соотношение героического и лирического тоже будет характерным для «Юпитера».
В свободе мелодического дыхания и тонкой колористичности ткани Andante с ее неясным «шелестом» и «вздохами» словно оживают страницы моцартовской «ночной музыки» вплоть до последней арии Сюзанны из «Свадьбы Фигаро». Финал, Allegro, полон неожиданностей — впервые в фортепианные концерты Моцарта вводится впоследствии излюбленный размер 6/8, придающий теме увлекающую тан-цевальность. «Сюрпризы» следуют один за другим: тут и двукратное появление жалобного до-минорного Adagio (первоначально эта тональность предназначалась для Andante), и в нарушение правил зеркальное — как бы вспять — проведение тем в репризе. И совсем уже необычно выглядит концовка концерта: слушая затухающие отголоски главной темы на фоне звенящих трелеобразных мотивов, так и хочется представить себе жанровую картинку — веселый праздник окончен, и все участники тихо расходятся по домам.

Владимир Крайнев (р. 1944) принадлежит к плеяде самых ярких фигур современной советской пианистической школы. Путь к успеху начался у пианиста еще в детские годы в Харькове, затем — учеба в Москве, сначала в Центральной музыкальной школе, а с 1962 года в консерватории у профессора Г. Нейгауза (в аспирантуре у его сына С. Нейгауза). Победные выступления Крайнева на международных конкурсах (сначала в 1963 — 1964 годах в Лидсе и Лиссабоне) увенчались первой премией IV конкурса имени П. И. Чайковского (1970). С этого времени началась поразительная по размаху концертная деятельность артиста, принесшая ему мировое признание. Творческой личности Крайнева присуще радостное, оптимистическое ощущение жизни, яркий артистизм и виртуозность, захватывающая темпераментность, умение увлечь слушателя. Обладая колоссальным сольным репертуаром, Крайнев много сил отдает камерному музицированию. Наряду с классикой, в центре его внимания постоянно находится музыка XX века — творчество Прокофьева, Бартока, Щедрина и других композиторов. В 1976 году за концертные программы 1973 — 1975 годов и большую работу по эстетическому воспитанию молодежи Крайнев был удостоен премии Ленинского комсомола, в 1984 году — звания народного артиста РСФСР.
Литовский камерный оркестр по праву считается одним из лучших оркестровых коллективов страны. Со времени своего основания в 1960 году оркестр завоевал репутацию истинного просветителя, неутомимого пропагандиста классической (прежде всего Баха и Моцарта) и современной музыки. Он был первым исполнителем многих специально созданных для него сочинений — А. Шнитке, литовских композиторов. Среди начинаний оркестра — музыкальные вечера «Ночные серенады» в Паланге, цикл новогодних концертов в городах Литвы и многое другое. Помимо постоянных выступлений на родине, оркестр регулярно выезжает за рубеж, представляя советское исполнительское искусство во многих странах мира, на самых крупных зарубежных фестивалях (в Зальцбурге, Ансбахе, Западном Берлине и др.). На Берлинской биенале в 1977 году оркестр и его руководитель были удостоены Приза критики за яркое исполнение современной музыки.
Душой и создателем оркестра является Саулюс Сондецкис (р. 1928), музыкант редкой культуры и художественного вкуса. Закончив в 1952 году Вильнюсскую консерваторию как скрипач (у А. Ливонтаса), он через три года возглавил струнный оркестр школы искусств имени М. Чюрлениса, получивший в 1976 году золотую медаль Международного конкурса молодежных оркестров фонда имени Г. Караяна. Свыше двадцати лет Сондецкис заведует кафедрой струнных инструментов Вильнюсской консерватории, где руководит студенческим камерным оркестром. За выдающиеся заслуги в развитии музыкального искусства в 1980 году Сондецкису было присвоено звание народного артиста СССР, а просветительская деятельность и высокое профессиональное мастерство Литовского камерного оркестра отмечены званием заслуженного коллектива республики и всесоюзной премией Ленинского комсомола (1978).
В основе предлагаемой записи — концертный цикл, осуществленный музыкантами на протяжении 1986 — 1988 годов.
Г. ЖДАНОВА